Los rankings son tontos, lo sé. Los premios, los títulos y los primeros lugares solo significan algo para las personas que tienen un profundo trastorno de la personalidad. ¿A qué persona un poco sensata le va a importar que los demás lo miren y lo admiren? Lo de Una mente brillante (2001) todos sabemos que es fantasía pura, digna de uno de los melodramas más decadentes de la historia del cine (vean la película de Netflix Pienso en el final (2020) donde se burlan magistralmente de esa escena de entrega del nobel a John Nash). Si Borges murió deseando el nobel, solo confirma el hecho de que no fue un gran escritor, cosa que se sabe al leer sus poemas o cuentos carentes de gracia y hechos para la intelligentsia conservadora. Pero hago esta lista solo para compartir con los amigos. En realidad, no importa el orden, sino solo comunicarme con ustedes y contarles por qué es que disfruto tanto escuchar ciertos álbumes. La única intención es la de que nos encontremos en estos días y nos tomemos algo y ustedes me digan cuáles son los que a ustedes les gustan, o si comparten en algún grado mi propio gusto. Les voy a contar sobre las canciones que me imagino escuchando mientras compartimos alguna cosa. Como soy filósofo, entonces, digamos esto: esta lista es lo que en fenomenología se llama "intencionalidad".

Este año escuché mucha música. Si ese fuera mi trabajo sería -por primera vez en la historia- un trabajador comprometido con su puesto. La música es inseparable de la soledad, de las actividades repetitivas, del transporte, de lavar los platos, pero particularmente este año, que pasé tanto tiempo en la casa, de la monotonía de estar frente al computador y de tomar unos whiskys Gaelik mirando al horizonte sin tener con quién hablar. En ese contexto, me pareció buena idea explorar otros géneros. El año pasado me había decidido por el black y el death, siendo mi género base el progresivo, pero este año le eché mano al indie-pop, al dream-pop y a esas mezclas folk que se pueden hacer desde diferentes contextos. El pop, a diferencia del metal, tiene la capacidad de transmitir la inmediatez de las relaciones, pura emocionalidad sin trámites racionales ni formas machistas de interpretación de la vida. Eso es lo que entendí al escuchar a Hayley Williams, Woodes y Fiona Apple, que además hicieron las veces de terapeutas psicológicas para mí. En el indie-pop la crítica no se pierde, sino que se concentra en la pura emocionalidad del individuo.

Tuve la oportunidad de escuchar más bandas este año, así que creo que no se me pasan grandes discos. Espero no arrepentirme después por no haberlos metido en la lista (como el de Saor el año pasado, qué discazo, pero que no mencioné en esa ocasión). Quedé con la duda con respecto al de Pain of Salvation que es una gran banda, pero a la que no le dediqué mucho tiempo, pues, vivo muy conforme con In the Passing Light of the Day, como uno de los mejores discos que haya escuchado  en la vida. 

La verdad, y sin la intención de parecer arrogante, hay muy pocos sitios de buenas reseñas de música, casi siempre describen cada canción del álbum, hablan de la historia de la banda y dan una calificación, que la mayoría de las veces no se explica con lo que acaban de decir. Olvidan que la música vanguardista y underground es arte, y que por esa razón es necesario reconocer las conexiones que la obra está expresando en sus partes y como una totalidad. La música alternativa de nuestro tiempo tiene un contenido político muy marcado, el juego con las disonancias, los préstamos de la música de los setentas y los ochentas, los títulos de los álbumes, los videos y las portadas, todo eso y más hacen parte de una semiótica pulsional que se va descubriendo a medida que uno se va adentrando en cada disco y va teniendo en cuenta las determinaciones empíricas de toda obra. Para escuchar esta música hay que dejar libre a la imaginación e intentar reconocer el momento histórico en el que nos encontramos, y entender que las canciones son hechas por gente que vive en contextos particulares, diferentes a los propios, pero que hacen parte de una universalidad, de una homogeneidad en la experiencia, de una igualación interpretativa del mundo entero que nos conecta en cualquier momento y situación, estoy hablando del capitalismo y la democracia liberal, por supuesto. Estos géneros se caracterizan por ser una polifonía y por intentar plasmar imágenes del devenir de la vida; son fragmentarios. Por eso no es buena idea interpretar estas canciones según principios elitistas y excluyentes, como los de si el álbum es un todo o está hecho a partir de retazos, un collage, tampoco que se parece a X o Y banda del pasado, menos sostener que suena muy pesado o muy suave (ese es justamente el punto: se elige esa forma de expresión porque solamente así el artista puede expresar el mundo que converge en él), o pensar que es comercial o no es comercial (lo importante son las intensidades que se transmiten y punto, eso es lo que hace el arte). La música es pura circulación de sensaciones, y aunque parece imposible lograr comunicar lo que se siente en un momento preciso con una canción específica, se puede intentar compartir el goce con la escritura (que tal vez sea la única manera posible). Hay veces pienso que sigue siendo cierto lo que creía Schopenhauer: la música nos convierte en videntes.

Voy a utilizar un método de interpretación de las obras de arte que se conoce como el "estructuralismo genético". Es una palabrota académica, sin duda, pero más sencillo sería decir esto: las obras no son el producto de un individuo aislado de la sociedad, no son la emanación de un genio, sino que son la consecuencia de determinaciones sociales, económicas, históricas, y sobre todo, políticas. Entonces, averiguar qué fue lo que pensó tal artista a la hora de hacer la obra es absurdo, inútil e imposible, porque incluso aunque lo tuviéramos en frente él tampoco tendría claras esas determinaciones como para dar un discurso al respecto. De esto se sigue que en la obras lo que tenemos es una "visión de mundo", un modo de interpretar la realidad que coincide con el grupo, pero no con el individuo, y en el que se entrecruzan valores, intereses, naturaleza, pero muy especialmente, ideología, es decir, lo que nos mueve a hacer lo que hacemos pero sin saberlo muy bien. Intentemos descifrar un poco esa ideología a partir de referentes duros y sólidos de interpretación: la clase, el capital, la política, el subdesarrollo, etc. Voy a hacer eso entonces.

Finalmente, comparto una lista de Youtube con las 100 canciones del año. En Sputnikmusic tengo un perfil con listas, reseñas y calificaciones. A partir del próximo año tengo la intención de colaborar con DPRP (mandé mi hoja de vida) sobre el progresivo suramericano. Así que les dejo los links.

Sputnikmusic: https://www.sputnikmusic.com/user/faustuscopernicum

Dutch Progressive Rock Page: https://www.dprp.net/

Mejor sitio para conocer nueva música: https://weekendprog.blogspot.com/

Lista de Youtube:

https://www.youtube.com/playlist?list=PLXc6_3s24ZqAwN_I8ZsFWAjf092e1lXaM

Vamos a la lista.  

1. Deftones - Ohms 

Hace veinte años salió White Pony (2000), el que es considerado el mejor álbum de Deftones. Aunque a mí gusto en el 2020 hicieron el mejor disco de su carrera. Chino Moreno se fue a vivir a las afueras de la ciudad, en el campo, retirado de todo y así se le ocurrieron las ideas esta vez. También cuenta en una entrevista que desde hace unos años asiste a terapia psicológica y que eso le cambió la vida. Supongo que desde una perspectiva cognitiva aprendió a jerarquizar las prioridades de la vida, que según él tienen que ver con reunirse con los amigos y hacer la música que les gusta, sin pensar en satisfacer a nadie ni pretender nada. Como la idea era reunirse con los amigos y hacer un disco volvieron a trabajar con Terry Date, quien fue su productor al comienzo de su carrera. En la misma entrevista (https://www.nme.com/music-interviews/deftones-chino-moreno-ohms-interview-therapy-eros-2758778) afirma Chino que hacer un autoanálisis psicológico se convirtió para él en la fuente de una nueva creatividad, puesto que ahora se trata de crear imágenes que surjan, no desde la propia vivencia biográfica, sino a partir de la necesidad de "pintar unos cuadros muy precisos" (es la metáfora que utiliza) acerca de lo que puede significar vivir en un mundo en el que lo único importante es competir y ganar (es esta la razón por la que la primera canción se titula "Génesis"). Por eso dice que no se trata de reinventarse, sino de estar cómodo con lo que se es. Esa es más o menos la historia de Ohms.

Han hecho un cuadro lleno de belleza, profundidad, madurez, inspiración, y sobre todo, de afirmación de la vida al proponer la posibilidad de que el sí mismo se pierda en las profundidades de unas canciones que son inabarcables por la simple racionalidad. "Sometimes when I hear music, I see color", dice Chino Moreno. Son, entonces, los coloristas más impresionantes del metal en la actualidad.

Las canciones de este disco están estructuradas de una manera más compleja: tienen intros, precoros y outros y hasta epilógos, como en "Pompeji". Algunos que han reseñado el disco dicen que no hay nuevo en este trabajo de Deftones, que es un poco la permanencia de su estilo, pero con una ejecución y producción superiores. Pienso que hay unas novedades muy importantes. El lugar que ocupan los sintetizadores es el más central que hayan tenido alguna vez en cualquier otro disco de la banda. El modo de entrar y la manera de salir que tienen los teclados le dan un aire cinematográfico y oscuro al disco en general. Otra novedad es la introducción de sonidos externos a las canciones, como por ejemplo, unos aplausos en "The Spell of Mathematics", el sonido de unas gaviotas en "Pompeji" que hacen sentir que uno va por una playa del mediterráneo caminando en medio de la noche y mientras el volcán al fondo respira cada vez más fuerte. Cada canción está llena de detalles que se van descubriendo en la medida en que se van escuchando. Otra novedad es que Carpenter utilizó una guitarra de nueve cuerdas que en algunos pasajes se deja ver, como en la canción "Ohms" que tiene un rif introductorio inolvidable. "Urantia" es puro amor desde el primer momento; "Radian City" posee una estructura diferente a todas las demás canciones, lo que la hace el cambio justo en el momento preciso. "Error" es acerca de la fama y de pensar que el resto del mundo no tiene nada que ver con lo que pasa en California, mientras que al estar volando por los aires en cualquier momento las nubes harán caer al próximo Kurt Cobain. "Ceremony" se refiere al desencuentro con alguien cuando se creía que el vínculo amoroso era lo único importante. 

Hay una cosa con Deftones y es que siempre se ha dicho que las letras de Chino no se entienden, que parecen incoherentes o simples frases colgadas una debajo de la otra. Es verdad que las letras no son referenciales, pero es por el uso de una estrategia romántica de los hermanos Schlegel, que Nietzsche y Cioran han hecho famosa, me refiero a la escritura fragmentaria. No siempre hay que esperar que lo que se dice en una obra de arte consista en un señalamiento de lo que ocurre en el mundo en este momento. El fragmento, el aforismo, tiene una función: sintetizar en unas pocas palabras la experiencia del mundo entero. Poder decir en unas cuantas palabras lo que se podría decir con un libro de mil páginas. Lo que hace Chino Moreno es jugar con la sintaxis del idioma y proponer frases que después organiza según otro criterio que es muy característico de Deftones: los títulos de canciones que hacen referencia a la historia de la cultura de la humanidad (Koi no Yokan, Minerva, Xerces, Feiticiera, etc.). Se podría pensar que al llamar a una canción "Urantia" se tendría que hablar de ese libro de metafísica, pero no, la letra es sobre una relación amorosa. En el libro de Urantia se habla de la perfección de la esfera, de lo circular como el modo mismo de la trascendencia, entonces, ¿qué otra figura puede cuadrar mejor para definir el amor y sus vicistudes? "Ohms" es el plural del mantra, pero la canción es sobre el problema medio ambiental, ¿qué tiene qué ver una cosa con la otra? Pues de nuevo Deftones crean desde el fragmento: si se contrae el significado de una palabra sagrada, entonces, puede significar cualquier cosa para cualquier ser humano sea ateo o creyente; es la pluralidad que trae consigo el arrancamiento de los significados que se les da a las palabras interesadamente. Las letras del disco son profundas, llenas de matices políticos (pace Chino) y sobre todo, son un mensaje para vivir, para persistir en los momentos difíciles, para celebrar la vida en medio de las múltiples crisis que provocamos los propios seres humanos.

And time won't change this

Para algunos puede que en ocasiones las disonancias del disco incomoden, que de momentos melódicos otorgados por la voz se pase a una distorsión dada por la guitarra y un golpe más poderoso de la batería. Pero para Deftones de lo que se trata es de proponerle al mundo un cuadro en el que se reúna la experiencia de cualquier vida, que se encuentra en cualquier parte del mundo; pero como sabemos, en toda vida hay altibajos, ires y venires, recaídas, momentos de desconcierto, muertes, dificultades sentimentales, entonces, eso tiene que quedar en las canciones, la vida no es solo una línea recta sin sobresaltos, la vida es un devenir perpetuo y la belleza del cuadro es que pretenda abarcar la totalidad, aunque al final sepamos que no lo puede hacer. En esta entrevista hablan un poco sobre eso: https://www.youtube.com/watch?v=PGqXA8J7E6k

Por último, me gustaría hablar de la voz de Chino, pero concretamente, de sus gritos. Como se sabe la voz de Chino es única e inolvidable. Pero hay algo que me parece muy llamativo en lo que él hace. En 1995, cuando salió el primer álbum, recuerdo que Chino jugaba con sonidos de gato al comienzo de "Bored" o "Root", hacía como un gato cuando está peleando con otro gato. En otras ocasiones intenta hacer el sonido de una serpiente y en otras sale con otros ruidos del reino animal. Hay una camiseta de la banda muy famosa en la que en la parte de adelante hay una serpiente y en la de atrás un gato, bueno, eso es porque son los dos animales en los que deviene Chino (hay otra en la que aparece un oso). La lechuza de Diamond Eyes (2010), el caballo en White Pony, los flamingos en Gore (2016), los animales siempre están presentes como inspiración para Chino. En cada disco juega con sonidos del mundo animal y los intenta introducir en las canciones por medio de los gritos. Los gritos que hace cuando las canciones se hacen más heavy suenan muy diferentes a los demás gritos de otros cantantes que van con una instrumentación similar, parecen selváticos, una mezcla entre una barra de hierro y una pluma de pavo real, una combinación de una espada afilada con un osito bebé. Creo que la intención de esto es llevar hasta el límite las posibilidades de la voz humana. Siendo capaz de explorar de tantas maneras lo que puede hacer un cantante, Chino quiere introducir la animalidad en el canto.

En literatura uno recuerda lo que hacía Kafka: convertir a las personas en animales (lo que también hace Chino en "Change": "I Watch you change into a fly") o hacer hablar a un perro sobre lo que pasa en el mundo. Esta estrategia creativa consiste en demostrar que lo que se es como escritor es algo precario, insuficiente, incompleto. Kafka se preocupaba por hacer ver que sus creaciones eran defectuosas, mal hechas, llenas de contrasentidos, y por eso no quería que las publicaran. Hacía esto para mostar, precisamente, que el arte no puede ser homogeneizado, impuesto en moldes y formas preestablecidas, que el arte no puede ser constreñido de ninguna manera, que es el reino de la libertad. Siempre sus personajes eran un será o un fue, un proceso, la llegada de lo que está dejando de ser y la despedida de lo que se convierte en algo más. Lo que hace Chino Moreno es afirmar que su canto es precario, que no es un estudioso que fue a un conservatorio, que tampoco asistió a clases de canto, sino que lo hizo todo desde la experiencia, imitando a los animales, a las máquinas (como en "Elite"), que en él es todo natural y empírico. No sería imaginable escuchar en un disco de un Frank Sinatra la introducción mimética de ruidos del mundo animal, porque lo ideal es que cante de acuerdo al modelo de los grandes cantantes de la ópera, según la perfección, pero para una banda como Deftones el modelo, el ideal, la perfección, es precisamente la de lo imperfecto, la de lo natural y el de lo que se da simplemente porque el espíritu es llevado hasta los límites de la experiencia posible. El canto, el grito de Chino, no puede ser preformado porque se encuentra en un proceso de volverse animal, es decir, la animalidad como el límite de la humanidad justamente porque no la puede dominar ni abarcar. Es algo incomprensible para lo humano lo que ocurre con la fuerza imponente del animal. El arte se mantiene libre en la medida en que la voluntad de dominar del ser humano se contenga frente a una animalidad indomable.

En la séptima canción de Ohms, "This link is dead", Chino canta como si estuviera desesperado, se nota la ansiedad, se nota la respiración rápida, porque es el deseo de terminar una situación, de que algo concluya, de finalizar la agonía, y termina con unas guitaras potentes y una batería majestuosa, solo para decir que el tormento continuará y que los gritos serán la esencia misma de la liberación. En "Pompeji", la canción más lenta de todas, pero la mejor para mí, Chino grita en el coro "Jesus Christ, you watched us fail", exclamando acerca del olvido de los referentes de otra época que hacen que ahora, como pasó en Pompeya, un Vesubio esté explotando para acabar en definitiva con nuestro mundo. En "The Spell of Mathematics" el grito denuncia el individualismo, la incapacidad de una correspondencia en la creencia fundamental sobre el amor. El grito es en este disco la manera de lanzar unas piedras precisas a la condición en la que el capital ha conformado la vida humana en la actualidad, pero es al tiempo el límite mismo de la voz, porque por medio de la voz melódica y armónica resulta imposible expresar lo que los absurdos de esta vida de mercado, afirmada por la pandemia, le hace a la humanité. Ohms es un disco de rescate de los valores del humanismo, es una crítica profunda a la condición psicológica en la que nos ha sumido el capitalismo, a la depresión generalizada por no lograr los objetivos impuestos de comprar y comprar; maravilosamente es un canto a la vida para perseverar, justamente, cuando el nihilismo se ofrece como la única salida. En palabras de Chino Moreno: "Even in our worst moments, we persevere".

Será un disco que acompañará muchos momentos en el futuro, que estará en la mente cuando algo único ocurra en la vida, cuando en la soledad se encuentre un confort extraordinario por ser capaz de sentir -tal y como lo dice Chino- que para llegar a la otra cara de la realidad de lo que se trata es de escapar de su cara referencial y presente. Para escapar e irse de este mundo nada mejor que escuchar una y otra vez Ohms. Adiós...

"I reject both sides of what I being Told".

2. Woodes - Crystal Ball

Es un disco hermoso, molecular, lleno de detalles y de canciones inolvidables. Woodes es una cantante australiana de dream pop con mezclas de indie y de rock que ha logrado crear un sonido propio. En la mayoría de canciones se introducen instrumentos atípicos y más propios del folk o la música celta. Las letras son muy inteligentes y siempre están rondando las emociones más básicas de cualquier ser humano. En "Crystal Ball" dice lo siguiente:

Tell me what happens

Es la pura inocencia de tener ese sentimiento tan humano de no saber si la persona que uno ama también sentirá lo mismo que uno. En "Close" que es un tema épico y absolutamente hermoso acerca de alguien que se ha ido, dice esto:

Sometimes I swear I can feel your ghost

I just know you're close

Se vale de la figura del fantasma que está presente siempre como una evocación, una memoria, un deseo de no dejar ir. Me recuerda a la mejor película de la última década, A Ghost Story (2017), en la que se juega con el tiempo y el espacio para demostrar que lo más propiamente humano es la memoria y que los fantasmas existen en razón de esa facultad, y que es solo el olvido el que hace que el tiempo pase y transcurra en su devenir. Dejar ir a alguien para que el tiempo pase y la duración se convierta de nuevo en la experiencia que le da sentido a la vida. Es una canción hermosa y contundente.

Está también "Queen of the Night" que es un espectáculo de luces, llena de matices y de un coro propio del pop que universalizó Madonna. Es una canción de lucha para las mujeres. Cada canción de este álbum es una experiencia. Más adelante aparece "This is my Year", una canción para poner el 31 de diciembre:

This is my year

Till we wake up, on New Years Day

Siempre vamos a hacer las cosas de otra manera en el próximo año, nos proponemos cambios, reencuentros, reconciliaciones, etc., pero la condición humana es justamente el incumplimiento de esos propósitos.

Es un disco de pop lleno de contenido, es una eclosión de emociones, un sube y baja por la condición humana de nuestro tiempo. Es sencillo, directo, así como son las emociones de nosotros los humanos.  

3. Liturgy - Origin of the Alimonies

El origen de la pensión alimenticia es el título de este enorme trabajo de Liturgy. Es black metal, pero un black metal bien particular. El cantante, Hunter Hund Hendrix, hace unos años publicó una carta en la que invitaba a la escena del black metal mundial a dejar atrás los estereotipos y el radicalismo, porque justamente eso es lo que está impediendo la libertad que se debe tener en el momento de crear. Es cierto, la estética (las caras pintadas), el uso de los instrumentos (la guitarra en el centro de todo) y las voces (demoníacas) es algo que en este género, tal vez más que en cualquier otro, resulta ser algo coercitivo. Cuando se propone algo diferente aparecen las críticas de los conservadores y reaccionarios. Hendrix decía en esta carta que el black metal debe ser más pretensioso, que no se debe limitar a los temas de hablar de satanismo y a demostrar que el mundo es una podredumbre, sino que puede hablar de todo y hacerlo con todas las posibilidades de expresión que brinda la música. Apoyándose en una estética del postestructuralismo francés, tal y como lo indica en la carta, Hendrix sostiene que crear significa romper con todos los límites y que en ese sentido es que convoca a los black metaleros a ser más pretensiosos, a que hagan una música épica, y que según sus referentes, lo que se puede hacer es imaginar cuál sería la canción de black metal que haría Richard Wagner (acá está la carta completa: https://www.stereogum.com/734432/visions-of-american-black-metal-liturgys-hunter-hunt-hendrix-responds/columns/haunting-the-chapel/).

Entonces, Liturgy ha hecho algo coherente con ese manifiesto: un disco de black metal que busca la forma de expresión en la ópera y la música clásica. Es un álbum único, nunca antes se había intentado hacer algo así. Hay instrumentación de orquesta que se pone en función de unas voces demoníacas y unas letras en torno al proceso de cambio de género que vivió Hendrix en el último par de años. Es escalofriante escuchar lo que salió de este experimento. Las intensidades que se transmiten son contundentes, dejan en claro que estamos en un momento histórico en el que el individuo está desesperado por vivir en un mundo en el que nada parece tener coherencia con los instintos y con el lado destructor, pero creativo, de la vida. Los seres humanos somos caos, no tenemos un horizonte que frene nuestras ansias de dominación, no hay un punto de regulación a partir del cual la justicia y la igualdad sean lo real, sino que la subyugación, la crueldad, lo injusto es lo propio de todos nosotros. Y esto es a lo que le canta Liturgy, pero con una intención muy precisa: seamos lo que somos y dejemos a un lado el imperativo de seguir la orden del padre de ser lo que quieren que seamos. Demos rienda suelta a lo básico y brutal que está dentro de nosotros, no permitamos que nos propongan una forma predefinida para las experiencias de la vida.

Hay momentos de calma en el álbum, los mismos que permiten reconocer la estructuración de cada canción en las que se trata de contar una historia total a partir de diferentes partes puestas de manera perfecta una junto a la otra. "Appartion of the Eternal Church" puede ser el tema más impactante que se haya hecho de black metal alguna vez.

Liturgy demuestra que el radicalismo nunca sirve para nada y que solo cuando se reconocen los límites y las fronteras autoimpuestas ocurre lo que alguna vez dijo Hegel: "solo si se sabe que hay un límite podemos ver lo que hay más allá".  

4. Hail Spirit Noir - Eden in Reverse

Sobre este álbum escribí una reseña larga hace un tiempo. Remito a ella entonces. En este tiempo que pasó desde que escribí la reseña y ahora, he descubierto una cosa nueva sobre el disco. El paso de HSN hacia la psicodelia tiene que ver con que en los setenta todo se trataba de oponerse a la Guerra Fría: si se van a matar que se maten, que nosotros ya no estamos en ese mundo de ellos, sino en un lugar muy diferente que tiene las formas de un caleidoscopio.

5. Our Oceans - While Time Dissapears

Simplemente hermoso. Baladas, baladas, para recordar mucho tiempo. El primer álbum de esta banda compuesta por exmiembros de Cynic me hizo pasar momentos de gran placer. En ese primer disco los toques al estilo Pink Floyd eran muy característicos, el enfoque postrockero también y el asunto de las relaciones amorosas estaba en el centro. Ahora, la delicadeza de este metal progresivo se nutre de partes más heavys y momentos de demostración del virtuosismo de cada uno de los tres miembros de la banda. La voz es única, particular, capaz de dar unos tonos tristes, melancólicos, como capaz de hacer denuncia social, tal y como ocurre en ese tema impactante titulado "Face Them". La batería es magistral, capaz de entrar y salir en cada momento. El post rock se mantiene para darle un aire de soledad y aislamiento a la mayoría de las canciones. Si el anteior disco tenía una influencia de Pink Floyd, a este lo veo más cercano a los trabajos de comienzos de los ochentas de Rush.

Es un disco de progresivo con toques melancólicos, pero que por momentos y sin uno apenas darse cuenta, se hace metalero. Las canciones de Our Oceans son como un arrullo, que tienen tras de sí unos graznidos listos para denunciar las injusticias del mundo en el que vivimos.  

6. The Night Flight Orchestra - Aerodinamic

¿Por qué hacer un disco de synthpop-rock en la actualidad? ¿Por qué una banda de death metal (Sylosis) se convierte en una banda de synthpop? En la última década bandas de black o death han ido adquiriendo los sonidos de Depeche Mode y David Bowie y los combinan con la oscuridad o intensidad propias del rock o el metal. La banda más característica en esa transformación es Ulver, sin duda, que pasó de hacer discos de black metal atmosférico, al drone, al stoner y ahora se dedican al synthpop. Entonces, ¿por qué? Este disco de TNFO es un buen ejemplo de lo que ha ocurrido, en especial, en los páises escandinavos (es una banda sueca).

La música electrónica de los ochentas tenía ese aire citadino, nocturno, de clase media trabajadora, de relaciones sexuales express y anhelos de compañía auténtica. El regaeton, también utiliza matices de la electrónica de los primeros tiempos, pero se concentra ideológicamente en el vínculo intersubjetivo a partir de la genitalidad y el sadismo propios de quien ha tenido una vida de exclusión y represión. Pero los discos de Depeche Mode tenían que ver con ideales, con el amor, con la amistad, con la transformación política del mundo, con una soledad productiva ("Enjoy the silence"). Entonces, una banda como TNFO quiere volver a recuperar aquellos ideales, hacer de la música una manera de transmitir alegría por la vida y por el vínculo intersubjetivo que se concreta en el amor desinteresado y en la simple donación del presente. En cada canción, como en "If Tonight is Only Our Chance" se trata de celebrar la vida desde la invitación a la fiesta, el olvido de la prosa del trabajo y la predecibilidad del Estado de bienestar, concretar los ideales románticos y disolver el propio yo en el baile. Es un disco de invitación a creer en los ideales, por eso la forma de expresión tiene que ser la electrónica, el synthpop, porque es desde ahí que se pueden tocar los temas que afectan la cotidianidad de una juventud que no se reconoce en el positivismo ni en la espiritualidad cristiana. Depeche Mode mostró que para hablar de las rupturas amorosas, del deseo de una persona específica, se puede hacer por medio de un movimiento de los brazos y las caderas, de la cabeza, que pretende fundirse con el instante, con el goce del simple presente, que es en últimas, la esencia de la felicidad para los occidentales.

Cada canción de este disco de TNFO es un himno, hecha con magistralidad instrumental, y en ocasiones se incluyen violines e instrumentos de la alta cultura, solo para recordar que lo popular es lo que lo abarca todo cuando la democracia se va convirtiendo en una realidad, lo que según parece es lo que ocurre en Suecia.

7. Nothing - The Great Dismal

"La gran tristeza" es el disco de Nothing. Es shoegaze con toques hardcore. Lleno de himnos y temas para nunca olvidar y escuchar una y otra vez. ¿Cómo no vamos a aceptar la tristeza y la depresión como partes de la vida? Dicen en un tema: "Seamos realistas, la existencia duele, la existencia duele". Por supuesto que tiene que doler, porque si no de otra forma nunca llegaría la transformación. Por eso, después en la misma canción dicen: "¿Paz en la tierra? Tiene que ver con la pureza, es lo que he aprendido". El dolor de la vida se refiere a la superficialidad, a las poses, a la apariencia como único modo de reconocer al otro y reconocerse a sí mismo, pero la alegría es la destrucción del velo, quitarnos la armadura que nos hemos querido poner y estar en la total pureza de vulnerabilidad frente al otro. Es un disco sobre la vulnerabilidad y precariedad de cualquier vida, en cualquier parte del mundo. Es un disco en el que se reconoce la calidad de los músicos y la inteligencia de las letras. Muy original, singular, con un sonido único y que es disfrutable en cualquier momento. Pero siempre la ironía como recuerso primordial, una ironía que se entiende como la única arma que le queda al depresivo para enfrentar la impersonalidad del afuera.  

8. Crippled Black Phoenix - Ellegaenst

Crippled Black Phoenix es un súper grupo conformado por integrantes de diferentes bandas importantes del metal del Reino Unido. Entonces, sus discos siempre son imponentes y llenos de experimentación con el post rock y el post metal. En esta ocasión, a mi modo de ver, hicieron el mejor disco de su carrera. ¿Las razones? El nuevo vocalista, acompañado de la voz femenina, le han introducido más progresivo del que usualmente tenían. Las canciones son sobre problemas políticos. "Lost" dice: "Estamos perdidos como humanidad" y el video está hecho según el criterio marxista del collage, se juntan imágenes dispersas para mostar en el cuadro general las contradicciones e injusticias del capitalismo. "Cry of love" debe ser la canción de amor más filosófica que haya escuchado en muchos años, es un himno seguro. Lo épico se junta con la crítica política y con el reconocimiento del individualismo como idea base de la sociedad actual, para lograr un disco sólido y muy entretenido.

9. Hayley Williams - Petals for Armor

Había leído que este álbum lo había hecho Hayley Williams en medio de una crisis de depresión y de tendencias suicidas, entonces, me llamó la atención. Tenía la curiosidad de ver qué sale en medio de una depresión profunda. En varias canciones queda constancia de lo que estaba atravesando; en una incluso se escucha un mensaje de voz en el que dice que se ha demorado en mandar algo porque estaba en una depresión, y al final, se ríe de sí misma. Ese pasaje me parece que describe bien lo que uno se encuentra en este disco de pop-rock: la cura para la depresión es la risa, la risa provocada por el amor, los amigos y el baile.

El tema que abre el álbum, "Simmer", se trata de mostrar cómo es que se huye de la enfermedad mental. En el video ella está sola en medio de un bosque y desnuda (en completa vulnerabilidad), busca refugio en una casa en la que se encuentra con su pasado, y entonces, decide destruirlo de un golpe en la cabeza. Perfecta metáfora para decir que en sí misma estaba el arma para combatir el lado oscuro de su propia vida (Hegel 100 %). Esa arma es el amor. El resto de canciones son cantos sobre el amor, con los amigos, con la pareja, con la humanidad entera. En "Pure Love" lo dice muy claro:

The Opossite

The opossite of love is fear

If I want pure love

El amor es un intercambio, un tipo de relación en el que se tiene que entrar mostrando las propias emociones y leyendo las emociones del otro, de lo contrario no pasa nada, hay que abrirse y explicitar la propia vulnerabilidad. "Tú das un poquito, y yo doy otro poquito", es lo que dice la letra. Pero el amor también tiene la capacidad de hacer que toda la vida se convierta en una vida "entre", en medio de dos, una creación original, un tercero que surge del vínculo entre dos, y eso es lo que canta en "Taken": "si alguien pregunta por mí, estoy ocupada y si alguien pregunta por él, también está ocupado"... ocupado en tomarse (taken) el uno al otro. Deja de existir el tiempo y el afuera se convierte en el propio interior dual de la experiencia del amor.

Es un disco hermoso, lleno de temas inteligentes y en el que la depresión se combate deseando y produciendo nuevas vidas a través de la unión con el otro.

10. Warbringer - Weapons of Tomorrow

El disco de trash-black-death más poderoso que escuché. Un cantante con una voz llena de ira, como debe ser, cuando se denuncia la inhumanidad de la guerra. De nuevo, en este álbum Warbringer toca el tema de la guerra, pero a un nivel histórico, toma distintos periodos históricos y describe el surgimiento de un ataque bélico. En el sencillo "The Black Hand Reaches Out" se cuenta la génesis de la Primera Guerra Mundial. Para los que no los conocen son una banda de trash clásico, rememora al Metallica de Ride the Lighting o los álbumes de Slayer de comienzos de los noventas. Es pura energía y bandas sonoras para ir a las marchas del próximo año, si Dios quiere y la pandemia.